Lire la première partie du dossier ici.

L’attente d’un nouveau héros
Nous sommes en 1991. Sega, jeune challenger sur le marché du jeu vidéo, se cherche une nouvelle mascotte pour le lancement de sa nouvelle console, la Mega-Drive. Il faut dire que l’hégémonie de Nintendo se chiffre aux alentours de 90% et que la popularité de Mario, leur mascotte à eux, semble inébranlable. Pire, sa grossièreté semble être élément affectif inattaquable et Mario, le plombier bedonnant de Nintendo, est peut-être désormais le personnage le plus populaire depuis Mickey Mouse. Conscient que sa mascotte actuelle, Alex Kidd (gamin aventurier aux oreilles de singe, proposé en jeu préenregistré sur la Master System II de Sega) ne peut rivaliser avec un concept aussi parfait que celui de Mario. Sega lance donc un appel à idées pour leur prochaine mascotte à travers tout le Japon.

Alex Kidd, le héros pas assez cool qu'il a fallu remplacer pour représenter Sega.

Sonic Brainstorm
Ce sont alors plus de 200 idées qui arrivent les locaux de Sega. Parmi elles, on retient une caricature de Théodore Roosevelt en pyjama, qui servira plus tard de base pour la création du Dr. Robotnik, l’ennemi du Sonic. Finalement, l’idée retenue sera celle d’un créatif de chez Sega, Naoto Oshima, grand passioné des super-héros américains. Il propose alors Mr. Needlemouse, un petit hérisson mignon qui peut se rouler en boule et utiliser son corps comme une arme. Très rapide, il peut aussi se transformer en véritable boulet de canon et se propulser dans divers tubes, rampes et loopings. Et quand il court, le mouvement de ses jambes est semblable à celui d’une toupie. Déjà, tous les pouvoirs et caractéristiques de Sonic sont exposés dès le premier concept. Pour le rattacher à Sega, Oshima colore son hérisson du même bleu que celui du logo de la firme. Séduits, les patrons de Sega Japon rebaptisent cependant le héros : Sonic. Il est rapide, tout comme le processeur de la Mega-Drive, et bleu comme le logo de Sega.

Speed Racer
Pour mettre en forme les aventures de Sonic et exploiter à bon escient le processeur de la console, Sega se tourne vers Yuji Naka, un programmeur surdoué, fasciné depuis tout jeune par le phénomène de vitesse et ses diverses applications. Naka est celui qui trouve le moyen d’accélérer le scrolling (défilement du décor) d’un jeu de plate-formes et qui fera de Sonic son principal argument ludique, parfait équilibre entre contrôle du personnage et vertige face à la vitesse du défilement de l’action.

Sonic doit à ces trois hommes : Michael Jackson, Bill Clinton et le Père Noël.

Valeurs sûres
Oshima montre ses croquis à Yuji Naka et lui explique qui est Sonic : son esprit de détermination est inspiré de Bill Clinton (pas encore élu Président des Etats-Unis) et la plupart des hommes politiques américains, qui, selon Oshima, ne perdent jamais une seconde avant de tenter de résoudre un problème.
Pour les bottes à sangles de son héros, Oshima s’inspire de celles que porte Michael Jackson sur la couverture de Bad. Pour le jeune créatif de Sega fan de pop culture américaine, les sangles sur les bottes de Michael Jackson sont le point culminant de ce qui peut se faire de plus cool à l’époque. Le rouge des bottes, quant à lui, est celui de la tunique du Père Noël.
Les premiers roughs du premier Sonic sortent de sous le crayon d’Oshima et le concept est déjà adpoté des exécutifs de Sega Japon. Mais avant de lancer son nouveau produit sur le marché, Sega Japon doit d’abord bénéficier de l’aval de Sega USA, un aval loin d’être acquis d’avance.

Two worlds collide
En effet, les patrons de Sega Japon s’inquiètent. Si la plupart des américains connaissent bien les opossums, ils connaissent bien moins les hérissons, à se demander si le titre « Sonic The Hedgehog » ne les confondra pas trop. De plus, Sega USA est désormais sous la férule d’un certain Tom Kolinski, ancienne tête pensante de Mattel, qui détient presque tout le marché du jouet américain et qui sera le plus dur à convaincre. En effet, Sonic, avec ses gros yeux kawaï, est bien trop japonais pour le public occidental. Et lorsqu’Oshima présente l’univers entourant Sonic, c’est la panique totale. Parce qu’à l’origine, Sonic devait être le leader d’un groupe de rock, avec un poulet à la guitare, d’un signe à la basse, d’un lapin rose à la batterie et d’un crocodile au synthétiseur. Sinoc, en superstar de ce groupe piège à groupies, devait partager sa vie amoureuse avec Madonna, une humaine blonde candide bien plus grande que lui. Ce concept farfelu fit dresser les cheveux des exécutifs américains droit sur leurs têtes et c’est Madeleine Schroeder, créative chez Sega USA, qui fût chargée de censurer Sonic de toute cette folie débordante.

Oui, Sonic aurait dû avoir une petite copine méga-pichasse.

Elle supprima d’abord Madonna, puis le groupe de rock, et même des petits crocs que Sonic de vait laisser déborder de sa mâchoire. Elle fait refaire un nouveau rogh de Sonic, beaucoup plus doux, bien plus détaillé et bien moins « japonais ». Ce Sonic américain déplaira viscéralement à la Sonic Team, l’équipe interne chargée du développement de Sonic. Oshima explose de colère, se sentant dépossédéde son œuvre.
Madeleine Schroeder prend alors l’avion jusqu’à Osaka pour d’interminables meetings où se dénouera l’avenir de Sonic. Elle y défend sa propre vision du héros, qu’elle entend vendre le mieux possible sur le marché américain. A contrecœur, Naoto Oshima et la Sonic Team se laissent convaincre par les arguments créatifs et commerciaux de Madeleine Schroeder et valident ensemble la version finale du Sonic tel qu’il nous parvient dans le premier jeu vidéo que nous connaissons. Yuji Naka, le développeur, avoue détester le changement américain, pour plus tard avouer que sans ce changement radical, le succès qu’attendait Sonic n’aurait pu être envisageable.

Le grand pari
La production finale du jeu est lancée, Hirohazu Yasuhara dessine les cartes des niveaux dans lesquels Sonic évoluera, en tâchant de plaire à la fois aux imaginaires tant orientaux que qu’occidentaux. C’est lui qui invente les rings, ces anneaux donnant protection et puissance à Sonic. La ralentit légèrement la cadence du jeu, toujours à la demande des américains. Ils introduisent l’ennemi de Sonic, le terrible Dr. Ivo Robotnik, un nom à consonance russe. La mission de Sonic est établie : retrouver les 6 émeraudes du chaosavant Robotnik, qui pourrait s’en servir pour prendre le contrôle de South Island.
Pour l’été 1991 et le lancement de la Mega-Drive, Sega mise tout sur Sonic…

Constantin Berthelier

Dans I, Robot, Spoon (Will Smith) doit détruire V.I.K.I. le vilain nordinateur en lui injectant des sortes de virus au cœur de son système. Son système est représenté par une boule lumineuse bleue, située tout en bas d’un tronc métallique qui parcourt une bonne partie du bâtiment de la compagnie qui fabrique des robots dans le film (USR). Il faut ajouter que Spoon a un bras robot (dû à un accident). En gros.
Dans Clone Wars, Anakin Skywalker a pour mission de retrouver les mâles d’une tribu sur une planète. Il s’avère que tous les hommes de ce clan ont été « drogués » et transformés en créatures difformes et violentes, notamment par la puissance d’un cristal bleu. Ce cristal se trouve au milieu d’une sphère bleue, qu’il créé du fait de sa puissance, tout en bas d’un tronc métallique, situé dans la base des vilains Séparatistes. Il faut ajouter que Anakin a un bras robot (dû à un accident). En gros.

Et maintenant, amusons nous à comparer ces deux séquences qui, déjà potentiellement, ont quelques similitudes troublantes.

I, Robot : Will Smith n' Co découvre cette 'unité centrale maléfique'.

Clone Wars : Anakin découvre la même chose, à une vache près.

I, Robot : Will Smith saute dans le vide pour saisir le tube rempli de virus à injecter dans l'unité centrale.

Clone Wars : Anakin saute dans le vide pour atteindre l'unité centrale.

Will Smith chute dans le vide en longeant le 'corps' de l'unité centrale.

Anakin fait la même chose.

Will Smith utilise son bras robot contre le 'corps' de l'unité centrale pour freiner sa chute.

Anakin, idem.

Smith arrive sur le toit de l'unité centrale, sorte de demi-cercle pas fini recouvrant la sphère bleue (maléfique).

Anakin, pareillement.

Enfin, Smith injecte les virus dans l'unité centrale.

Anakin utilise son bras bionique pour atteindre le cristal au centre de l'unité centrale.

Cette dernière comparaison est un peu facile, mais la dernière image de Clone Wars peut être rapprochée avec une autre de I, Robot. Celle où Sony, le robot allié de Will Smith, va chercher les virus, et doit pour cela mettre son bras métallique à l’épreuve de la barrière de sécurité (bleue) et corrosive de V.I.K.I..

Vous avouerez qu’il y a de quoi se poser quelques questions. Et logiquement, s’il fallait trouver un coupable, ce serait Clone Wars étant donné sa création postérieure. En même temps ça me fait un peu mal au cul de penser que c’est Tartakovsky, le créateur génial de Dexter’s Laboratory, The Powerpuff Girls, Clone Wars et Samurai Jack qui plagie, ou qui s’inspire outrageusement d’un film comme I, Robot. J’ai beau trouver ce dernier pas mal, il n’est pas digne d’être une référence pour les autres. Et surtout pas pour Genndy Tartakovsky.

Mais comme dirait William Inge : « Une œuvre originale, c’est du plagiat pas encore détecté. »

Allez, Genndy, j’aime trop ce que tu fais. Et on va dire que pour cette fois, j’ai rien vu.

Thibaud Gomes-Leal

C'est moi Sonic le Magnifique.

Introduction

A l’instar des personnages les plus populaires du monde, personne n’aurait parié un sou sur un héros aussi saugrenu que Sonic, hérisson bleu à bottes rouges pouvant courir à la vitesse du son et évoluant dans un monde à la topologie fortement imaginative.

Avant d’être l’icône pop qu’il est devenu, Sonic est avant tout le héros d’un jeu vidéo accouché dans la douleur en 1991, dont le pouvoir de vitesse devait principalement argumenter en faveur de la vitesse du processeur de la nouvelle console de Sega, la Megadrive, aussi connue sous le nom de Genesis aux Etats-Unis. Et même si aujourd’hui l’aura de Sonic a faibli en faveur de celle de Mario, son rival de toujours, il fut un temps où le hérisson régnait en maître sur la petite planète des jeux vidéo.

Il faut dire qu’en 1990, Nintendo détient encore avec son imbattable Famicom (connue chez nous comme la Nintendo première du nom ou la NES (Nintendo Entertainment System) 90% des parts du marché du jeu vidéo. Ce succès est notamment dû à la mise en vente de leur machine avec un jeu qui s’avère être un classique immédiat, Super Mario Bros., dont le héros, Mario, est un plombier italien bedonnant évoluant dans un environnement totalement halluciné.
(A l’origine, Mario devait être remplacé par Popeye pour le marché américain. Cela semble être un détail sans importance, mais nous allons voir que concernant le cas de Sonic, il paraît tout de suite beaucoup moins anodin.)

Dans la  commercialisation de la Megadrive en 1991, Sonic entre immédiatement dans l’esprit et le cœur de milliers d’enfants et d’adultes joueurs à travers le monde. La suite logique pour un tel personnage, c’est qu’il se décline en en plusieurs produits sur différents médias. Ainsi, nous pourrons voir Sonic à la télévision dans pas moins de quatre séries animées, un long métrage animé sorti en DVD, mais aussi des jouets dans les Happy Meals de Mac Donald’s, là où tous les enfants de notre monde moderne exercent leurs première expériences sensorielles de pop culture à l’état brut.

Aujourd’hui encore, Sonic est toujours présent dans la sphère des jeux vidéos, avec toujours de nouveaux épisodes sur les consoles nouvelle génération, même si notre hérisson a perdu un peu de son panache depuis qu’il est passé en 3D. Et ironie du sort, il est apparu l’été dernier dans un jeu vidéo de jeux Olympiques sur la console Wii de Nintendo, faisant la course avec… Mario ! Mais avant qu’il ne perde la bataille,  Sonic était bel et bien au top.

Pour ses 20 ans, Sega a choisi de remettre son bon vieux hérisson première mouture au goût du jour dans le très attendu Sonic Generations. Un shop en ligne a également ouvert, avec de nombreux produits merchandising, pour beaucoup à l’effigie du vieux Sonic. C’est que ce héros a encore aujourd’hui énormément de sympathie, qui s’exprime mieux à travers des objects de collections que sur des plate-formes de jeu vidéo.

Mais connaissons-nous vraiment Sonic ?

Les Origines

Sonic n’est pas, comme ses homologues du jeu vidéo, un personnage aux origines bien définies. Les premiers jeux Sonic ne présentent l’histoire que selon son enjeu (retrouver les émeraudes enlevées par le méchant Dr. Robotnik) et ne donnent aucune précision sur le statut ou sur l’histoire de notre héros. Les origines du hérisson ne sont suggérées que dans Sonic Adventure 2 Battle où Shadow laisse entendre qu’il pourrait, comme lui, être l’aboutissement des expériences du Dr. Gerald Robotnik.
Plus tôt, les origines de Sonic ont été abordées de manière tout à fait officille dans un comic-book sorti en même temps que le premier jeu vidéo. Cette approche du mythe du hérisson n’a jamais été relayée par la suite et a fini par tomber dans l’oubli de plus total, faisant douter tous les spécialistes du hérisson sur la véracité de la trame exposée.
Ce comic-book écrit et dessiné par Francis Mao raconte une histoire provenant de la planète Mobius, où un gentil hérisson un peu espiègle fait la rencontre du bon et généreux Ovi Kitnobor. A l’heure de leur rencontre, le scientifique est sur le point d’inventer une machine capable d’enfermer tout le mal de la planète dans six émeraudes aux pouvoirs extraordinaires.

Parallèlement, il invente une machine pour permettre à Sonic, amateur de grande vitesse, d’accroitre ses capacités de course à pieds. Pendant un exercice, celui-ci atteint le mur du son, explose la machine et voit son pelage tourner au bleu, résultat visible de ses capacités contre-nature.
Pour pouvoir supporter une telle vitesse, le Dr. Kintobor invente pour Sonic des chaussures spéciales, ne s’usant pas au frottement supersonique de ses pieds contre le sol. Plus tard, alors que le Dr. Kintobor est sur le point de mettre en marche l’ultime transfert qui dût éradiquer toute forme de mal sur Mobius, le malheureux laisse tomber du soda sur sa machine, provoquant un court-circuit, faisant entrer le docteur dans une vague fusionnelle de force surnaturelle avec le reste de son déjeuner : un œuf dur.

C’est ainsi que naquit le terrible Dr. Robotnik, aussi appelé Eggman (l’homme œuf). Désormais méchant, impitoyable et conquérant, le docteur ne pense qu’à régner en despote sur Mobius, à moins que Sonic, son ancient ami, ne tente de l’en empêcher.

Suite de l’article la semaine prochaine.

Constantin Berthelier

Panic! Cinéma, la séance de films de genre la plus connue de la place de Paris, n’a plus à prouver son expertise dans le domaine du cinéma d’exploitation. En guise de récréation en marge de sa séance du samedi, ils organisent pour la deuxième fois le concours Panic! Reverse, qui met à contribution les créatifs de tous poils.

L’année passée, Panic! Reverse avait notamment révélé le très acclamé Zombin Laden, qui se targue aujourd’hui d’un million de vues sur Internet et d’une très grosse couverture médiatique.

Pour avoir une chance de gagner des impressions grand ofrmat de votre affiche, des DVDs, des abonnements au magazine Kidblind, et surtout la diffusion de votre film au cinéma Le Nouveau Latina à Paris, vous devrez envoyer votre affiche à Panic! Reverse avent le 31 mai 2012.
Dans un second temps, les réalisateurs devront terminer leur film entre le 15 juin et le 31 octobre 2012.

Les affiches et films passeront au crible d’un prestigieux jury, comptant entre autres Gérard Kikoïne, Olivier Abbou, Dédo, Mectoob, Maïa Mazaurette.

Pour les informations complètes, rendez-vous sur le site de Panic! Cinéma.

Et pour vous donner envie, voici des exemples d’affiches gagnantes de l’année passée:

Enfin, pour soutenir le projet, Panic! Reverse compte sur vous tous pour donner votre obole, via le site KissKissBankBank. Plein de dotations à récupérer pour votre participation !

Informations:
Panic! Reverse sur le site de Panic! Cinéma
Panic Reverse sur Facebook
Écrire un mail à Panic Reverse : panicreverse – @ – gmail.com

Constantin Berthelier

J’ai donc découvert, chose que j’ignorais par pur manque d’intérêt, que Demi Lovato, notre petite starlette, s’était battue contre un certain nombres de problèmes, au point d’en finir en centre de réhabilitation d’octobre 2010 à janvier 2011.

Stay Strong, l’émission documentaire retraçant son parcours, est captivante. Tout d’abord parce que l’on découvre un facette très différente de la chanteuse, mais aussi parce qu’elle fait appel à notre vécu personnel. Problème de confiance, d’auto appréciation et d’image, bipolarité… le programme n’est ni gai, ni mignon. On est donc très loin de ce que l’on voyait chez Mickey, entre autres.

Dans cette émission, Demi se livre complétement. Elle fait part de son ressenti, son vécu, et je me suis retrouvée à l’écouter avec énormément d’attention. On a envie de crier au fake par moment, parce que l’on se dit qu’il est impossible de parler si ouvertement de ce genre de choses. Pourtant, je finis par ne pouvoir que la croire. Je l’écoute donc, et réalise qu’elle a l’air grandie, que beaucoup de choses ont l’air d’avoir trouvé un sens dans sa vie. J’accepte l’idée que ces quelques mois passés en rehab lui ont permis de rationaliser, et de trouver la force de se battre pour elle avant tout, mais aussi pour les autres. Elle a su saisir la place qu’elle devait prendre, le rôle qu’elle devait jouer auprès de ces milliers de personnes qui l’écoutent.

À la fin, on sent qu’elle souffre de devoir parler de tout ça, de son combat de tous les jours, mais on la sent prise d’une mission plus importante. Elle le dit elle même : « They put it on my way for a bigger purpose ». Il y a un plus grand but dans tout ça, que de faire de la promo, que de faire parler de soi, que de redorer son image. En vérité, la seule vraie mission que Demi tente de nous faire partager est de montrer qu’il est possible de se sortir de cette spirale infernale qu’est le désordre alimentaire et la dépression. Et ça tout à fait bien.

Demi, tu as tout notre soutien !

Karine

La veste de Ryan Gosling dans Drive. La magie pop du film de Nicolas Winding Refn ne tient qu’à un élément, le veste de son protagoniste. Par extension, le reste de sa tenue, mais basta. Le reste de Drive ressemble trop à de la branlette pour cinéphile fatigué. Parce qu’à elle seule, la veste molletonnée en satin doré ornementée d’une broderie de scorpion symbolise les intentions les plus singulières du réalisateur : mélanger le Scorpio Rising de Kenneth Anger et le cinéma de super-héros et parce qu’en un élément, il fait de son film un éclat de pop ultime. Virez la musique de Drive, le film fédèrera un peu moins. Collez un perfecto à Ryan Gosling, le film perdra tout son ramage. A l’inverse, collez la veste molletonnée en satin doré ornementée d’une broderie de scorpion à n’importe quel bonhomme de film, il prendra soudainement une dimension épique insoupçonnée.

et après, il bouge la tête et après, il reste pareil et après, il porte son sac et après, il tourne le volant

Parce qu’au fond, ce qui fait la beauté de Drive et parle à peu près à tous les garçons et les filles de la terre, c’est qu’on n’y a jamais mieux traité un garçon en toy boy à l’écran.
Dans Drive, Ryan Gosling n’est pas qu’un pilote psycho-romantique. C’est un putain de GI Joe. L’incarnation parfaite d’un 12inch ambulant – et de fait de tout ce que Freud pourrait dire de cette échelle classique de figurine – et que Refn est assez malin pour en abuser à sa guise.
Dès le premier plan de son film, il pose son bonhomme, sa veste et sa coupe de cheveux sculptée dans son diorama. Seule la caméra se déplace, le bonhomme lui, reste solidement posé contre sa fenêtre face à une rétroprojection de paysage urbain. Puis il se met en branle, à la manière d’un Thunderbird – oui, comme le modèle de bagnole de chez Ford. Ouais, comme le cinéaste – en supermarionation, il chope sa besace, et finit au volant. Statique.
Refn a mille manières de légitimer son parti pris de mise en scène immobile. La plus précieuse est clairement celle qui transforme son héros en action figure à chacune de ses apparitions. Et transforme le réalisateur en enfant à la sensibilité mentale préoccupante.

GI Joe Pilote Scorpion rencontre Barbie Sourire Triste

GI Joe Pilote Scorpion met son masque de cascadeur

GI Joe Pilote Scorpion menace Barbie gros seins

GI Joe Pilote Scorpion nique la gueule de GI Joe maquereau

GI Joe Pilote Scorpion et son playset d’ascenceur (vendu avec Barbie Sourire Triste et GI Joe Homme de Main et son crâne mou)

Evidemment, c’est Ryan Gosling qui est mis en avant, mais du fait de sa mise en scène et de son ensemble costume/décors/accessoires, le film entier se transforme en hommage absolu à un Gerry Anderson qui aurait décidé de s’attaquer à un polar violent. Collez des ficelles à Ryan Gosling et Carrey Mulligan, ils n’ont besoin de rien de plus pour se transformer en héros de séries à marionnettes

Et on voit déjà le jouet signé Hot Toys, responsables des plus beaux 12’’ du moment qui feraient bien de se dépêcher avant que le culte voué au film ne s’évanouisse. Une belle boîte estampillée du logo, quelques paires de mains supplémentaires, un masque de cascadeur, deux vestes et la belle gueule ultra réaliste de Ryan Gosling, la figurine serait sûre de se ramasser 5 étoiles chez Captain Toys et filles et garçons en seraient aussi dingues qu’une bûche Blammo.

La transformation en action figure, fatalité qui n’a jamais arrêté de toucher les comédiens depuis Star Wars allant bon train à une époque où le cinéma est de plus en plus fait de plastique, Nicolas Winding Refn a eu l’intelligence de la précéder. Et les bloggeurs, sous-catégorie de l’espèce pathétique que l’on range sous les étiquettes « kidultes » et « adulescents » de décerner le prix du meilleur film de l’année à la veste en satin doré ornementée d’un scorpion brodé. Sans blague ?

Virgile Iscan

Mûri pendant 8 années par son réalisateur Evan Glodell, Bellflower est de ces œuvres qui à force d’être mastiquée en devient difforme, comme gonflée par leur macération. Dans ce cas précis, ces boursouflures font la principale personnalité de cette expérience hors du commun.
Oscillant entre cette tendance au spleen et sa volonté nihiliste, le film met un bout de temps à trouver son propos, traînant ses personnages sans buts beaucoup trop loin. Cette schizophrénie un peu relou ruine l’attachement naturel du spectateur pour des images patinées et une mise en scène joyeusement approximative.

Dans son fond, le film cultive cette origine romanesque de la blessure amoureuse, le trauma de l’adultère s’abattant comme un coup de massue sur le personnage principal. Ce coup de massue arrive d’ailleurs à point nommé, et les 20 dernières minutes, délirantes et salvatrices, apportent des échappatoires à l’intrigue et au spectateur. Bellflower gagne alors en sens et en cohérence, et évite le constat du film trop opaque car trop perso.

Un brin poseur, et volontiers poseur, le film n’évite pas les longueurs. Mais l’attente a sa récompense, et l’ambiance chiadée en sort renforcée. Confrontant le sublime à l’horrible, dans un maelström de sentiments et de références à fleur de pelloche (Mad Max, évidemment), c’est au final une expérience marquante, car totalement libre, et donc à voir absolument.

Bellflower
Réalisé par Evan Glodell
Avec Evan Glodell, Jessie Wiseman, Tyler Dawson
Sortie en France le 21 mars

Thibaud Gomes-Leal

On pourrait croire en parlant de La dame en Noir qu’il s’agit d’une promenade de santé pour Daniel Radcliffe, fraichament arrivé au terme du contrat Harry Potter, mais en réalité, c’est bien plus que cela. Il n’est pas non plus le film du retour significatif de la légendaire Hammer Films dans le paysage des films de genre. Non, en réalité, c’est encore mieux que ça.

Danny, on te voit bien mieux sans tes lunettes.

Adapté d’un roman de Susan hill, La Dame en noir raconte le voyage de l’avocat Arthur Kipps dans la province britannique pour retrouver un de ses clients disparus, afin de lui faire céder les droits sur une vieille maison bâtie au ban du village. Pour son enquête, il devra passer la nuit dans la maison qu’il découvrira hantée par la Dame en Noir, objet de secrets malheureux et de morts violentes dans le village.

Premier rapport : La pari est réussi pour Daniel Radcliffe. Ce registre de détresse lacrymal lui réussit bien mieux que ce personnage faire-valoir qu’est Harry Potter et le bad boy briton s’en sort vraiment pas mal. C’est aussi le meilleur choix de carrière possible pour se défaire du boulet HP que de draguer le grand public vers un film qu’on croirait tout droit sorti des grandes heures du film de fantômes comme on les aime, tels que Carnival of Souls, The House on haunted Hill ou Nightmare Castle, pour ne citer que ceux-là. Du même coup, Danny se démarque de par son attachement aux trucs de vieux schnocks de la tendance actuelle donnée aux vampires sexués comme des loutres (suivez mon regard). Rien que pour ces éléments là, à compter avec les costumes prestigieux et le score de Marco Beltrami, La Dame en Noir est un chance.

La Dame en Noir
Réalisé par James Watkins (Eden Lake, The Descent 2)
Avec Daniel Radcliffe, Roger Allam, Ciaràn Hinds
Sortie française : 14 mars 2012

Constantin Berthelier

Plus, le show partait du postulat que ce vaste programme hédoniste était l’apanage du vrai héros, puisque Mighty Max, détenteur de la casquette cosmique, allait devoir prouver sa valeur pour contrer le vilain Skéloféros et ainsi préserver l’équilibre de l’univers. Et ce qui s’annonçait au départ comme un pitch banal allait en réalité servir des aventures passionnantes, aux péripéties complexes, conduisant dans un final saisissant à la mort (enfin… pas vraiment) des deux frères d’armes de Max, Virgile l’oiseau érudit et Norman le Barbare au grand coeur.
Au total, ce sont 40 épisodes d’excellente facture qui seront produits, dont la seule justification d’existence se résume à un argument de vente d’une nouvelle ligne de jouets lancée par la firme Blue Bird Toys, soucieuse de proposer au monde une alternative masculine à ses toutes puissantes Polly Pocket. Le doublé animé/jouets séduira les garçons du monde entier et assurera la survie de la compagnie, avant un rachat plus ou moins brutal du glouton Mattel. En France, c’est l’avant-gardiste Canal+ qui epérimente le show en 1994 après avoir participé à la production, avant qu’il soit exposé au grand public pour faire les grandes heures de M6 Kid un an plus tard.

À ce jour, les épisodes de Mighty Max sont d’une rareté malheureusement comparable aux trésors que notre héros est amené à trouver au cours de ses aventures. Et on espère un grand retour de la saga sous toute forme possible : film à franchise, jouets, jeux vidéo…

Constantin Berthelier

Trop kawaï pour être honnête.

Aujourd’hui est jour de coup de gueule, quoi. Parce qu’elle agresse mes yeux depuis trop longtemps, et qu’il semble être temps de rétablir un peu de bon sens dans la Pop-Fashion. Je sature. Ma nièce de 10 ans risque de m’en vouloir à en crever et d’en pleurer, vous allez me détester, vous les filles romantico-kawaï, mes popines. Mais voilà, j’ai aujourd’hui un besoin viscéral de faire mon putsch. Il faut que cela cesse. Il est temps de dire non.

Et qu’on arrête de nous bourrer le crâne avec sa tronche. NON, elle n’est pas cool. Non, elle n’est pas concept, elle me casse juste les bonbons (owo) au fur et à mesure de ses apparitions. Personne ne s’en méfie hein, elle fait si bien l’innocente. Mais honnêtement, à la rédaction, on a beau faire tourner nos méninges et en faire appel à notre conscience journalistique pour en expliquer l’hégémonie, ce qui en ressort principalement, c’est avant tout qu’elle nous gonfle.

L’étude sociologique et économique du phénomène peut, certes, s’avérer passionnante. Après tout, il faut bien l’avouer, un succès pareil, ça s’explique de mille façons, et en rien on ne pourrait renier les raisons qui ont pu faire d’elle une star. La petite chatounette kawaï existe depuis les 70’s. Elle est, à la base, une icône pour les fillettes de moins de dix ans, qui affiche sa frimousse dans des animes (dans ce style) et sur quelques produits dérivés style mini porte-monnaie en vinyle. Sa bouille, son absence de bouche (oh, quel être pur ^^), son univers enfantin si mignon, puis un graphisme tellement simple, tellement « logo ». Un coup de génie quoi, ok. De génie du dessin animé pour enfant.

Jusque-là, c'est mignon, tout va bien.

Puis d’un coup, sans trop prévenir, vers le milieu des 80′s, elle s’est mise à faire de l’œil discrètement aux ados, aux jeunes adultes, jusqu’à se retrouver parfois même sur les t-shirts des plus de 30 (40) ans. Au cours des années 90, une poignée de pop-stars, Mariah Carey en tête, se passent le mot, et affichent fièrement le « motif » de sa p’tite tête (à claques) dans leurs looks, en accessoire branché.

L'Enfer

C'est malin ça ^^

Mais oui tout à fait

Depuis, on la voit partout, les produits dérivés se multiplient, se diversifient jusqu’à l’infini, du plus con :

LE toaster indispensable

Oh bah tiens, un balai-chiotte...

… au plus badant :

Coucou, tu veux voir mon vibro ?

... ou mon gros engin ^^ ?

Les boutiques en son nom pullulent (elle a même son hôpital). Et évidemment, en un rien de temps, elle devient LE logo mode girly à arborer. Lâche-toi ! Sur ton t-shirt,

Argh.

ta montre :

Que c'est raffiné... ^^

sur ton sac, ton collier, oh et puis ton string aussi, et en tatouage pourquoi pas :

(big up)

J’ai parfois l’impression d’être la seule fille à faire de la résistance, alors que toutes mes popines succombent, une à une. Et voilà donc comment, par le biais d’une image à l’apparence totalement anodine, on est envahis par l’esprit « j’suis-mimi-j’ai-5-ans-j’suis-une-femme-enfant ». Cette tendance « doudou », à laquelle notre chère (uydbcajhbf) petite chatte a largement contribué. Ce fameux côté lolita régressif, associé très (trop) souvent à un look manga qui fait tant recette chez nos amis asiatiques fans de cosplay.

Hello Kitty représente un des indices les plus marquants de l’avènement de l’esthétique Pop en matière de mode. Elle passe apparemment pour l’égérie idéale des fashionistas de 7 à 77 ans, pour la raison souvent évoquée de «son absence de bouche, et donc d’expression, qui nous permet de projeter sur elle toutes nos émotions ». Ce genre de phrase me donne envie de hurler, désolée.

Et ton t-shirt làà, IL ME DIT QUOI SUR TES ÉMOTIONS ?! C****sse.

Pour ma part, elle ne me rend ni joyeuse, ni rêveuse, ni amusée, ni rien du tout. Elle ne m’évoque rien, ne provoque rien, alors que c’est un peu pour ça que j’aime la mode, les vêtements. Pour avoir le droit de choisir entre un t-shirt vieux groupe de keupons ou pois fluos multicolores, entre un message peace’n'cool ou un subtil ça.

Kitty ? Elle n’a rien d’expressif, rien de drôle, ni de rebelle, encore moins de décalé, rien de fin. Elle est juste de plus en plus rose. C’est l’image pop dans ce qu’elle a de moins stylé, de plus facile, de plus vide en fait. Le comble du mainstream, certainement une des icônes les plus détournées et revisitées, mais qui à la base n’a pas grand-chose à foutre dans la mode pour jeunes et adultes.

Rejoignez le mouvement !

Et elle est partout, de Paris à Tokyo, de New York à Shanghaï ! Elle devient presque à son tour un symbole de la mondialisation. Après la suprématie de Disney from USA, elle a certainement été la première référence asiatique en matière de Pop-Culture à se répandre mondialement. L’archétype du Kawaï en version vide, qui nous envahit sournoisement, elle distille sa non-expression niaise, et ses quelques détournements malheureusement encore trop sages. Le pire, ses ultrafans, les collectionneuses. Hystériques de la chatte, on les entend piquer des cris de goret à la moindre apparition. Pitié.

#notsafeforkids
Tuez-la. Ou poussez-la au suicide, sinon c’est moi qui la suicide.

Hara Kitty

Point d’overdose ? Cette magnifaîque collaboration avec Victoria Couture en 2008 (pardon pour le #old, mais il faut en parler).

NAOOON !!...

Les fans ont trouvé une excuse de plus pour retomber en enfance, et moi une raison de plus de la détester. Oh, pas du cynisme, non. J’ai plutôt tendance (^^) à me réjouir de l’exploitation de ce genre d’esthétique en matière de mode. Mais là, j’ai juste trouvé ça grossier. Déception, j’espérais enfin un truc intéressant, mais rien. Cheap, bâclé, d’une facilité déconcertante.

Chais pas moi. Faites un trip à la Happy Tree Friend peut-être, même si c’est aussi vu et revu. Ou même simplement un travail sur les matières, des découpes en mode trash, un esprit punk, un trip cochon,…

...un truc bien lol comme ça,...

…n’importe quoi, mais quelque chose de conceptuel. Kitty a au moins l’avantage d’être une sorte de terrain vierge pour la créativité, en suggérant des détournements et des déclinaisons toujours plus nombreuses. Et là, les talentueux stylistes s’en sont tenus à une simple impression sans aucun travail de retouche sur le dessin, ou les couleurs. A croire qu’elle a tué leur créativité.

Et bien voilà, elle ne tuera jamais la mienne. Et je vais plutôt faire des gouzis à Hi Panda, qui a une bouche pour m’en faire aussi, lui.

Claire
Dessin « Hara Kitty » de la popine Alexandra Boucherifi

Vrai, on devrait toujours se fier aux filles qui ont des gros traits sur le visage, ça prouve bien qu’elles en ont gros là-dedans, j’en prends le cosmos à témoin. Saillant, le gros des belles filles assure leur supériorité animale, comme un museau de renard, comme une vaste mécanique de soupir. Et pour vous prouver que je ne dis pas que des conneries, voici un top de gros nes moyens et de gros gros nez magnifiques parmi des visages familiers.

Delphine Wespiser – mon nez du Génie national

Delphine Wespiser, la France que j'aime.

Grand cas a été fait à propos des cheveux de Delphine, qui furent teints après qu’elle fût bombardée Miss France. Mais on na peu parlé de son nez, qui est sans nul doute le plus énorme de toute la dynastie. Delphine joue le plus petit gabarit dans l’arène des gros nez, mais c’est quand même cet attribut qui supporte son sourire éclatant, donnant assez de crédit pour un tag #tropchoupi. Avec Delphine, la France rayonne, la France a du nez. Vive Delphine, et vive la France !

M.I.A. – mon nez de quasi-travelo

M.I.A. - Le nez musical de Hounslow

Grande favorite de la caste des écouteurs du musique en 2009, M.I.A. est récemment passée dans la moulinette Madonna qui voulait l’introduire au marché US comme une Nicki Minaj bis. C’est surtout avec « Paper Planes » qu’on la connût, même si les pionniers avaient vu dans le clip de « Sunshowers » une canon hyperpotentielle, surtout de par la légère gêne ressentie à la vue de son nez, au bord du freak. Plus récemment, c’est le frenchy Romain Gavras qui a su la rendre outrageusement désirable dans Bad Girls.

Maïa Mazaurette – Parle à mon nez, ma tête est malade.

Maïa Mazaurette, la seule qui comprend les hommes pétasses.

Vous connaissez Maïa Mazaurette pour rédiger à peu près tout ce qui rapporte au cul quand c’est expliqué pour le grand public, dont les ouvrages sont en vente dans les grandes surfaces. Quand elle ne remplit pas les pages de GQ à rassurer les hommes que c’est pas parce qu’ils sont hyper tas-pé qu’il sont forcément homos, elle écrit également de vrais romans de science-fiction, avec de la vraie geekerie dedans.
Mais rien de tout ça serait possible sans ce nez de la bonne humeur, plus candide que le nez d’Elisabeth Badinter et plus espiègle que le nez de Fantômette.

Mélanie Laurent, mon nez d’actrice

Mélanie Laurent, le nez qui t'agace.

Dans Indigènes, elle ne disait mot et parlait au soldat Debbouze avec le nez. C’était la beauté française mystique, qui disait « Eeeeh ouais j’ai un gros pif carré, this is how I roll« . Depuis, Mélanie Laurent représente ce qu’on se figure par « non-actrice » à la Française, le seul vrai décollage de sa carrière étant dû à une séquence drague sur une plage à Depardieu et un rock lascif avec Tarantino.
Dommage qu’elle ait récemment tenté de se bitchiser à coups de javel sur les cheveux et de rouge sur les lèvres. Je lui conseille de ne plus se laver les cheveux et de ne maquiller que son museau.

PJ Harvey, mon nez qui shake Albion

PJ Harvey - Le nez de la belle conduite

Je suis un peu comme Jessie J, qui ne connaissait pas PJ Harvey il y a encore quelques semaines. Remarquez, à en juger du répertoire de Jessie J, on pourrait aisément préférer n’importe quelle chanteuse britonne plutôt qu’elle. Au contraire de cette pichasse, la musique de daronne de PJ Harvey vous fait vous méfier de la hype, et on pourra au moins en parler avec emphase pour son nez, encore plus gros que le Texas sur une carte d’Angleterre.

Ashley Tisdale – Le nez de l’amour

Ashley, c'est toi qui a la plus beau nez.

Ashley Tisdale, c’est comme si PJ Harvey avait été Côte d’Azurisée. Tout est plus fastoche, et le nez est (presque) resté le même. Parangon de grosse méga tronche pas possible à l’Américaine, son nez est le pic de Dante pour une aura volcanique. C’est comme si Miss Piggy était vivante dans la vraie vie et qu’on pourrait enfin imaginer vivre pour de vrai dans le monde de Disney. Tout ça pour un nez.

Constantin Berthelier

Mais alors j’ai une question : Comment des cinéphiles avertis finissent-ils par connaître High School Musical par coeur ?

Est-ce que ce que l’on retient n’est pas l’humour de la chose ? Parce que c’est vrai, les séries sont pleines de gags, sketchs, blagues stupides qui, pour les personnes ayant un humour douteux, sont à tomber. Des jeux de mots absurdes sans aucune finesse, bien sur, mais beaucoup de burlesque, au final. Des plats de spaghettis qui nous tombent dessus, des histoires de wasabi vengeurs, des tours de magies gloutons…  Absurdité et grand n’importe quoi. Serait-ce donc ça qui nous rend accro ? Cet humour de bas étage ? Les chansons sur les livreuses de pizza ? Même si ça y contribue, je ne suis pas sure qu’il n’y ait que ça. Et là, je vais m’aventurer dans quelque chose de dangereux.

L’envie de comprendre le dénouement des histoires est quasi inexistant. Alors quoi ? Je pense qu’avant tout, ce qui nous permet de nous attacher à ces programmes est l’affection que l’on finit par porter aux personnages. Et ce, principalement parce qu’ils sont faits de sentiments simples, qui nous poussent à nous identifier très rapidement, à simplifier nos vies d’adultes quelques instants, et nous aident à voir les choses de la manière la plus basique qui soit. Regarder Disney Channel nous aide à arrêter d’intellectualiser et d’analyser le moindre détail, ça nous permet de revenir aux choses simples, sans prétentions. Grâce à ces programmes, on prend enfin le bol d’air frais que tout le monde devrait prendre de temps à autres. On a ce même sentiment que lorsque l’on regarde des dessins animés de notre enfance. On se retrouve à avoir une dizaine d’années à nouveau, sirotant nos Candy’ up chocolat en grignotant le fond du paquet de Prince.

Entre autres, Disney Channel, c’est un peu notre crème anti-âge préférée.

De Zack & Cody en passant par Hannah Montana ou les Sorciers de Waverly Place, tout ce beau petit monde est a remercier, croyez-le ou non.

Karine,

qui n’est absolument pas amoureuse de Nick Jonas.

C’était une arlésienne et on n’y croyait plus, mais il est enfin là

Devenu phénomène de foire sur Internet, chacune de ses logorrhées  deviennent de grands rendez-vous de WTF, et Morsay de se perdre parmi les Internets entre deux vannes et autres invectives contre Fred Mitterrand, le Front National, les racistes, la fachosphère, Zemmour, Guéant et tous les « fils de pute » qui osent le clasher.

Internet est donc bien le ghetto que Morsay a su conquérir après Clignancourt et lorsque ce dernier avait annoncé sortir un long-métrage largement autobiographique, tous les observateurs de la toile s’étaient mis sur le pied de guerre. Dans des vidéos teasing, Morsay confessait avoir voulu prendre des cours de cinéma avant de se dire qu’il « s’en battait les couilles », puis c’est le buzz orchestré autour de l’interdiction de sortie du film qui prit le relais, Marine Le Pen apparemment en tête de liste des censeurs ne voulant pas que les pieds nickelés du T2LG puissent s’exprimer à travers leur œuvre.

Difficile de distinguer le faux du vrai dans cette histoire, les egogtrips roublards de Morsay criant au complot étant tellement exagérés que les difficultés de distribution de ce film autoproduit ne durent se limiter qu’à des anicroches très courantes, comme des difficultés de tournage ou des caprices d’ordre technique.

Complètement bidon : « Le responsable de Pathé France » explique le boycott de La Vengeance.
 

Intrinsèquement, et bien que Morsay et Zehef aient pu mettre à l’épreuve notre sympathie lors d’interventions filmées peu engageantes à propos des français non-musulmans et des homosexuels, le film La Vengeance a ce délicieux goût du danger, bien au-delà du simple objet de curiosité qu’il peut être.
Il y a quelques années, Canal+ nous vendait le collectif Kourtrajmé comme la nouvelle nouvelle vague, se vautrait dans le traitage de génie, et Vincent Cassel devait faire la jonction entre du pur produit de banlieue et le décorum cannois. On aurait voulu y croire, Sheitan était intéressant, mais sous le talent et les réussites, il y avait le toc de la récupération, le goût sale de ces objets licencieux comme de simples cautions pour garder intact le passif « rock n roll » de la chaîne.

Non ! Moi Morsay, je ne vendrai jamais de la chnouf !

Avec Morsay, on ne joue pas. Parce que malgré l’engouement qu’il peut susciter, l’excitation des twittos et l’ébullition des chroniqueurs ciné voyant leurs acquis sapés en deux heures chrono, ni Morsay ni Zehef ne sont aptes à venir se faire applaudir sur un plateau télé. Autoproclamés « les cas sociaux » du rap français, les larrons de Truand de la Galère ne sont pas formatables pour Skyrock et n’appartiennent pas à notre acception du rap français actuel, qui est devenu le seul apanage des MJC et des conseils municipaux, comme un nouveau rockabilly ou varietoche, complètement handicapé à toute forme de subversion.

Bref, ces mecs-là ne sont pas des mythos. Quand ils parlent de bicrave et de prison, ils savent de quoi ils parlent. Il y a donc cette terreur retrouvée, que notre territoire n’a pas dû souffrir depuis les punks, et il y a surtout ce film, casse-gueule et raturé à tout point de vue, mais qui arrive comme la manne culturelle que l’on n’attendait plus, même si l’impact est adouci par cette naïveté maladroite, cette haine finalement bien inoffensive.

Je dis ce que je fais, je fais ce que je dis.

Qu’il soit dit tout de suite après visionnage de La Vengeance qu’il n’y a aucun message politique pouvant justifier une quelconque censure de la part de nos institutions. En effet, toutes les situations, même les plus fantasmées, ne font appel qu’à des schémas policés d’un discours sur la banlieue déjà très assimilé par tous. Ceci enlevant évidemment tout crédit à la théorie du complot orchestré par le FN et les autres, que l’on peut désormais avec une forte vraisemblance imputer à ce sacripan de Morsay.

Au niveau de la grammaire cinématographique, c’est l’anarchie. Les fautes d’orthographe sur les sous-titres des séquences en arabe sont à l’image du montage et surtout de la prise de son (ratée à 80%), rendant la plupart des scènes inaudibles. Si Morsay et Zehef capitalisent sur leur verve de racaille pour assurer un jeu sympathique, on ne peut pas en dire autant des seconds rôles, qui se ramassent grave la gueule. Reste l’écriture, étonnamment excitante, qui nous gardent scotchés à l’écran, le super bon dosage des montées en tension et des séquences drôles finissant de rendre un tout homogène. Un vrai film fait « à la zob », dans une tradition punk non affectée, non voulue et qui, défait de tout maniérisme, se trouve d’une inexorable pureté, cette même pureté qui caractérise les nanars.

Et le potentiel nanar du film est énorme. Et tout cela, bien heureusement, reste du cinéma. Littéralement, Morsay fait son cinéma, vivant en live son égotrip mégalo de truand ghetto, jetant le flou entre le faux et le vrai. Dans le monde de Morsay, les truands aiment bien les vieilles dames, les rames de métro sont pourries par des méchants skinheads qui attaquent les femmes voilées, et ces mêmes skins sont encore plus bêtes et méchants que la Team Rocket dans Pokémon.
Mais il y a des figures plus intéressantes, comme les bourgeoises reubeus, la perfide blanche qui pigeonne, le clochard excentrique et les (vraies ?) daronnes, trop mignonnes et trop gentilles.

Dans le monde de Morsay, les skins ont l'air VRAIMENT gays.

Au final, Morsay se projettera dans une sorte de résurrection christique pour savourer sa vengeance, pleine de justice poétique, où les mauvais seront punis et les bons récompensés. Tant de bons sentiments aspergés avec autant d’authenticité, ça devait être forcément soutenu. Il ne reste plus qu’à espérer qu’avec ce film, Morsay se sortira de son ghetto d’Internet et se défera de cette sale image d’internet-freak qui lui colle à la peau. Parce que ce film est important, qu’il est incorruptible, que son message est authentique, et qu’il renvoie au ban tous les objets filmiques que l’on a pu voir sur la banlieue, allant de l’épouvantable Le Plus beau métier du monde à l’obscène Toi, Moi, les autres.

Il va falloir t’y faire, Mathieu Kassovitz. Mais Morsay est bien le seul légitime pour enculer le cinéma français.

 
Constantin Berthelier

Toute plaisanterie consommée, c’est avec fierté que Pepper Steak vous ressort ces 10 pièces de kitsch total, pour notre plus grand plaisir.

Tout a commencé avec Tumblr, et le principe d’avoir un gif par émotion. Le problème, c’est que j’ai la surenchère facile, et au lieu de continuer avec les gifs, j’ai enchaîné sur les memes. Ce qui a rendu mes conversations compliquées. J’ai commencé a lancer des Fuuuu à voix haute, à marmonner des Forever Alone, a répondre des Me Gusta à tout va. Et là, c’était fini. Ma vie sociale en prenait déjà un coup. Puis on m’a surprise à plusieurs reprises chanter Friday…. Et à danser comme NumaNuma.. J’ai commencé a visualiser les chansons que j’écoutais sous forme d’ensembles de memes. A chaque fois. J’ai fini par principalement citer des memes pour m’exprimer. Toutes mes blagues sortaient tout droit de Memebase. Plus rien d’autre ne me pouvait me faire rire.

Alors un jour, tout comme David, je me suis demandé si c’était ça, la vraie vie. Si c’était vraiment à moi que ça arrivait, tout ça, tout ça. J’ai commencé à me remettre en question. Je me suis dit:   »Karine, Y U NO STOP ?! » J’ai essayé d’arrêter d’être une victime de l’Internet. Une proie si facile, si manipulable. Tout ça devait s’arrêter maintenant. Sans préavis. Et pendant un moment, j’ai tenu. Malheureusement, je suis faible. Et mes conversations sont toujours à base de memes, lolcats, videos buzz et extraits de matchs de catch (trouvez l’intrus).

J’y etais presque… So close…

Karine

Nos deux protagonistes sont initialement des figures du non héro un peu torturé, venant d’une zones défavorisées (Idaho/Mexico…), l’un en cible toute désignée d’une campagne « la violence à l’école c’est très mal », l’autre en cible toute désignée d’un gang de gros vilains « patriot act style », qu’on n’a pas plus creusés pour les besoins du scenario : ce sont de gros vilains « patriot act style » !

Cet homme n'est pas de la jeunesse hyperconnectée.

Les deux partagent également un décalage commun avec le monde actuel et l’ensemble des NTIC :  Machete « don’t text » et a des skills de hackers très « zone géographique en transition économique ». Napoleon Dynamite porte des méga verres à triple foyer à l’heure de l’opération de myopie en 2 fois 4 minutes au laser, écoute de la musique sur K7 sans être un hipster ni vivre à Brooklyn. S’ajoute que le mec se came au lactose : VADE RETRO WILLIAMSBURG !

Malgré des capacités de départ discutables, quand l’injustice alors frappa, injustice digne d’un grand épisode de My Super Sweet Sixteen (haaan, Tifanny a über la rage que sa BFF porte une robe bustier plus chère que la sienne, haaaan injuste) le trop grand gamin du fin fond de l’Amérique et el gringro de la bordure Californienne, s’illustrèrent dans la défense de la minorité opprimée. Napoleon fait élire son latino bro dans son highschool mega WASP, redonnant au passage une caution fashion au tshirt électoral, avec le best seller « vote for pedro ». Et Machete défonce les gros vilains, avec des explosions et des motos et des guns. Pourfendeur de la lutte contre les privilèges (#françoishollande) et de l’intolérance envers les mexicains : deux justiciers, deux films engagés, à base de taco bell !

#françoishollande

Enfin, une dernière remarque s’impose: à l’image des plus beaux spécimens d’acteurs de l’industrie du cinéma de divertissement pour adultes, nos deux sujets d’étude souffrent d’un physique des plus ingrats mais jouissent d’un succès déraisonné vis a vis du beau sexe. Dany Trejo, avec ses restes de peau jeune à problèmes et sa tête de taulard, serre la moitié d’un classement FHM. Jon Heder suscite du love chez ses petites camarades précurseuses capillaires : parce que porter la side poney tail, au moins 5 ans avant l’excuse de la hype, c’est direct le #swag.

#swag

Au final, Nous ne pouvons qu’espérer la création d’une franchise cross over, pour un rapprochement de ces 2 entités du cinéma indé, à l’instar d’un Alien versus Predator, d’un Fredy VS Jason, d’un épisode de Hannah Montana avec Demi Lovato.

Hell Yeah.

Clara Benyamin

Il est cool Seb’. Non mais oui, sérieusement, ça faisait longtemps que le paysage musical français ne nous avait pas proposé un artiste aussi barré.

D’un point de vue musical, on aime ou pas, hein. Sa prestation à l’Eurovision nous avait laissé… dubitatifs. Puis certes, ses albums nous ont agréablement surpris et ont piqué notre attention par leur originalité (relative ?). Les qualifications des critiques musicaux (qui ont un peu tendance à se masturber le cerveau, parlons vrai) allaient de la « soupe électro-pop sans saveur, l’arnaque auditive de ces dernières années», à « un coup de génie, un esprit frondeur que assume son décalage et nous embarque dans un univers romantico-psychédélique fortement émotionnel ».
Aucune envie de relancer le débat. On évitera donc ici de faire sa revue musicale, même s’il me semble que le sujet amènerait certainement un débat passionné entre puristes et candides de la french touch. Non, il est ici question de look. Première chose qui vous a marqué, avouez-le.

(yeah)

Et il fait fort, le garçon. Parce que personne, jusque-là, ne connaissait vraiment son vrai visage. En premier, Monsieur Tellier se cache derrière une barbe et une tignasse qui se confondent dans leur longueur, qui détonnent un brin avec sa voix sensible et lui ont dès le début donné un air christique plutôt sexy.

Coucou !

Ajoutez à cela une quasi-systématique paire de solaires, avec lesquelles le côté « incognito » prenait toute son ampleur, et un style de dandy en costard au parfait air snobinard. La sauce a pris, si je puis m’exprimer ainsi. Et il en fallait peu pour qu’il pousse le délire à son maximum, dans une dynamique narcissique de mise en scène totale de sa personnalité publique.

C’est aujourd’hui chose faite. On avait déjà pressenti, par son look donc, mais aussi dans les sonorités psychédéliques et langoureuses de ses premiers albums (oui bon parlons-en) un côté mystique, une touche de lyrisme pop distillée par des paroles surréalistes et sensuelles. L’annonce du nom de son nouvel album, « My god is blue », nous a mis la grosse puce à l’oreille. Et voilà que le clip du premier extrait « Pépito Bleu », le met en scène dans un univers fantastique qu’on pourrait situer entre une esthétique à la Avatar et un trip mégalo sous acide. Déguisé tel un gourou d’une nouvelle secte, au travers d’un nouveau style à l’inspiration Raëlienne à peine masquée, il se fait demi-dieu.

Vêtu d’une toge blanche et pourvu d’un mystique regard bleu électrique, (on voit enfin ses yeux, tiens, Lagerfeld y penserait ?), Seb’ intensifie son univers, et à vrai dire nous laisse un brin pensif en arborant ce fameux, ce mystérieux mais certainement délicieux Pépito bleu.

N'ayez pas peur.

Ce détournement pop totalement… mystique, a été créé par Jean-Charles De Castelbajac, le bien titré « marquis de la Pop » himself,  certainement le créateur le plus enclin à aborder ce genre de décalage avec la meilleure distance et le plus de génie. Un Pépito bleu, donc, oui, en pendentif. Référence assurée à une friandise iconique de la génération Y, et au passage resucée de la tendance cup-cake-donuts(-j’enpeuxplus), qui mêlée habilement à un look de gourou créée un nouveai « Dieu de la Pop » (lol) à vénérer pour notre salut, en cette année 2012 teintée de Fin du monde capitaliste et de prédictions apocalyptiques incas.

Crise du mystique, divinisisation de la pop-culture, Seb regarde alors tout ça d’un œil totalement surréaliste, certainement gentiment critique, et se tourne lui-même en dérision (enfin, espérons que cela soit voulu hein…) dans un clip mystico-mégalo aux faux airs de propagande sectaire.

Et vous voulez savoir le pire. Bah on en veut encore. Cheers Seb

Claire

Qui, mais alors qui a osé dire un jour que les dessins animés étaient réservés aux enfants ? Qui a osé me priver de Cartoon Network – meilleure chaîne de tous les temps – me privant ainsi d’aller à l’aventure avec Jake et Finn ? Qui, je ne sais pas. Mais je te traquerai, et te ferai payer le temps perdu, ordure !

Si j’ai de tels désirs de vengeance, c’est surement parce que rien me fera démordre du fait qu’Adventure Time se positionne numéro 3 des meilleurs dessin animés de tous les temps (après Daria et Batman TAS, bien sûr). Complétement pop, déjantés et à pisser de rire, Finn et son pote Jake le chien nous livrent des aventures dingues a base de Princesse au cheveux bubble gum et de méchant Roi des Glaces, en passant par la vie amoureuse d’une limace géante. En fait, c’est un peu le truc le plus absurde, WTF-esque mais génial qu’il te sera jamais donné de voir.

Une fois que tu auras commencé à regarder (parce que je sais que tu le feras, oui oui), tu ne pourras juste plus repasser à quelque chose de normal. Tout te semblera fade. Les chansons 100% auto-tune de Finn te manqueront. Les histoires de frites de Marceline aussi. Les mauvaises vannes de Jake, et les dénouements sans queue ni tête laisseront un véritable vide dans ton petit cœur. C’est un peu ça, le seul souci avec ce dessin animé. C’est qu’une fois que l’on y a gouté, on ne veut plus jamais rien essayer d’autre tellement on l’aime.

Je tiens tout de même a préciser une ou deux choses avant que l’on ne me lance des tomates virtuelles au visage en me criant combien c’est nul. Il faut aimer RIRE. Il faut aimer les blagues sans chutes. Il faut aimer les jeux de mots stupides et il faut savoir savourer la douce insanité qui se dégage du show.

En attendant, MANGE-TOI LE GENERIQUE.

Karine,
chantant et brandissant son épée à dos de chien magique.

John B. Root : Aimez-le

Monsieur B. Root est un pornographe, dans la plus pure expression du concept. C’est un vilain galopin qui aime un peu trop les jolies filles, un homme qui avoue sa faiblesse au beau sexe. Monsieur B. Root est un cinéaste, dans l’expression la plus technique de la profession, artisan du cinéma. Il écrit, réalise, monte (haha, monter un porno, haha) et étalonne ses films lui même. Avec une filmographie longue comme le… bras, et près de 20 ans de carrière, le bonhomme connaît un peu son affaire. Et à l’heure où piaille le consommateur de pornographie français pour un renouveau du produit, monsieur B Root incarne l’espoir, celui de nous laisser espérer un cinéma porno, avec du cinéma, un vrai film, une vrai intrigue, et du porno, du cul, du boulard quoi…

John B. Root : l'art de la mise en cène

Une partie de la rédaction de Pepper Steak s’était cavalièrement rendue à l’avant première de son dernier opus, Mangez Moi, le 13 Janvier à l’ Elysée Biarritz. D’abord tout émus face au maitre, notre esprit d’instigateur intransigeant repris vite le dessus (#jeudemots). Nous étions là pour voir du cinéma et avions promis de garder nos mains bien sagement sur nos genoux. C’était une salle comme pleine d’amis venu voir le dernier né d’un proche, avec un enthousiasme assez palpable. Le maitre nous adressa quelques mots avant que les lumières ne s’éteignent : « le branleur de Canal+ va se sentir tout paumé par moments, avec sa gaule à la main ». L’ambiance est posée, le film peut commencer. Parlez moi d’amour.

Le film s’ouvre sur une scène de cul qui n’en est pas une, on s’interrompt trop, la tension ne monte pas, on s’en fout, ça pose l’intrigue : un scénariste en mal d’inspiration se voit imposer une Dead-line un peu serrée (je vois des jeux de mots partout) par un gros vilain producteur US, et ça ne sert guère sa vigueur : la fille se vexe et se casse. Notre auteur face à une vilaine crise de la page blanche, (oui mais rose la page, nous explique t il, puisqu’il doit écrire un scénario érotique) se décide à rejoindre un ami dans un villa du sud de la France, sorte de refuge des enfants perdus version partouze. Puis meurtre, puis enquête, puis retraçage de tout ça en flash-backs lors d’interrogatoires policiers, le tout baigné de chant des cigales. Un truc bien, quoi.

Katia Dé Lys, Mademoiselle Lilith, Liza Del Sierra, Pauline Cooper, Coco, Jasmine Arabia.

Les scènes s’enchaînent, alternent (#métaphorefilée), on passe d’une scène de cul au bord de la piscine à une discussion dans le patio… bref, la sauce prend, le spectateur est happé dans le film.

Monsieur B. Root réussi la prouesse rare de réaliser ici un film avec une intrigue sans plombier ni photocopieuse et qui parvient quand même  à servir son propos pornographique. On reste bien assis dans son fauteuil tout le long à profiter du spectacle, à se réjouir d’un casting aussi bandant : Phil Holliday tient remarquablement les scènes de comédie tandis que Liza Del Sierra provoque des tsunamis de putasserie BAD-ASS à chaque nouvelle scène. À noter également la présence de Pauline Cooper qu’on aime très très fort à Pepper Steak, son joli accent et son visage de poupée cartoonesque nous ont enthousiasmé et nous ont fait crié HELL YEAH à chacune de ses apparitions.

Oui, mais alors, est ce qu’on a la libido en ébullition ou pas ? À titre personnel, mes mains ne se sont crispées que sur une seule scène, où la très jolie Coco Charnelle se fait prendre sans ménagement sur une balançoire par le petit personnel. Ayant demandé à mes camardes, nous accrochons chacun sur une ou deux scènes, mais jamais les mêmes. Et c’est autant un défaut précieux qu’une qualité tiède, monsieur B. Root semble ne pas se décider sur la direction à prendre. Dans sa dimension cul, le film tend à satisfaire chaque spectateur sans parvenir à les rassembler. Et c’est peut être ce qu’on pourrait reprocher.  Les scènes sont toutes sans exception d’une qualité technique folle, l’image est d’une fluidité parfaite, on distingue sans peine chaque coup de rein, chaque expression des acteurs. Mais voilà, je n’ai eu envie de passer la main dans mon jean qu’une seule fois.

Monsieur B. Root réalise ici une vraie œuvre cinématographique qui mérite bien ses 1h20, avec des scènes hard cohérentes dans le scénario, mais qui a l’heure de l’ultra spécialisation du porn, manque un peu de parti pris .

 

 
Le film reste à voir pour toute la maitrise de son réalisateur, pour le casting qui donne de sa personne sans compter, et comme véritable film contenant des scènes X. Ça tombe bien, Panic ! Cinéma le diffuse le 18 février à 22h au nouveau Latina, en présence de l’équipe du film. Une bonne occasion de se faire sa propre idée.

Mademoiselle Drey

Il faut avoir des priorités dans la vie. Surtout en free. Aussi, quand j’ai appris que Naked and Famous faisait son petit évènement chez Colette mardi 24, j’ai tout de suite calé un trou dans mon planning de working girl pour partir à leur rencontre. Parce que le teaser. Le teaser ? Le voilà :

Merci à Johnny Paillettes <3

Arrivée donc chez cette bonne vieille Colette, où je me fraye un chemin jusqu’à leur petit stand sympatoche calé entre deux rayons. Je m’approche, et tombe sur un mec hyper cool et souriant, apparemment très affairé à plier des carrés de denim bruts à l’aide d’un fer à repasser.

Un mec qui repasse... t'as de la Biafine au cas où ?

Monsieur se présente, Brandon Svarc, aka the Boss of Naked and Famous. Hyper enthousiaste à l’idée de parler un peu de sa marque pop-cool encore toute jeune. Il répond avec un grand smile, et m’en apprend un peu plus sur son histoire et son amour du denim, dans un français perfect et un accent canadien so sexy (hum) :

« Je viens du Canada. Mes parents sont dans le denim depuis plus de 60 ans, ils fabriquaient des vêtements de travail (le jean, à l’origine, est un vêtement ouvrier, ndlr). Donc j’ai ça dans le sang depuis que je suis tout petit. J’ai toujours su que je ferai quelques chose avec cette matière. Elle a un côté brut qui donne une grande liberté. Tu vois, on peut même en faire des cochons en origami  »

Nouf-nouf en égérie

« J’ai aussi fait un chapeau de samouraï pour mon ami/bras droit Bahzad : »

« Je trouvais ça marrant d’utiliser le tissu pour en faire de l’origami. C’est quelque chose de ludique et de décalé un peu, ça nous ressemble, et ça rappelle le Japon, parce qu’on utilise du denim qui vient de là-bas « 

En repassant/pliant ses carrés de brut (fais gaffe au fer mec, ça brûle), il m’explique la philosophie de la marque :

« Naked and Famous revendique trois choses : des vêtements fabriqués au Canada, avec du denim japonais de très bonne qualité, et sans aucun traitement de délavage ou autre. Déjà, ce genre d’apprêt est cher, et au final c’est pas très utile quand on aime le côté authentique du jean. Et puis ça pourrit l’environnement, c’est l’utilisation de beaucoup de produits chimique et d’eau, pour pas grand-chose. Et un jean ça doit vivre sa vie aussi ! C’est comme ça qu’il se personnalise vraiment, qu’il devient unique ! Chez nous, on aime la matière brute qui bouge avec toi, qui t’accompagne et prend ton pli. Tu vois le jean que je porte là, je le porte depuis presque 5 ans et je ne l’ai jamais lavé ni rien, il a pris ses usures au fil du temps de façon totalement naturelle, il a même la marque de mon portable sur la fesse. »

Petit tour sur les portants, effectivement c’est brut et c’est beau, et pas si cher que ça, pour une fois. On vous conseille vivement de faire un tour sur leur site. Vous y trouverez leurs collections pour H et F, toutes les infos/news de rigueur, et un « fit guide » bien conçu et plutôt marrant. Tellement indispensable quand on veut choisir LE jean qui nous convient, sans faire de fashion-faux-pas. Leur collection se résume à ça : un bel indigo bien profond, et pas de chichis fashion, on devine une coupe impec’ et un tissu (on appelle ça un « sergé de coton ») qui sent bon la qualité nippone.
J’ai d’ailleurs eu le plaisir d’apprécier parfaitement les détails de fabrication, grâce à l « égérie invisible » de Brandon, jean magique-qui-tient-tout-seul (mais de l’amidon bonjour).

On a bien rigolé, on a discuté origami, parce que c’est quand même une super idée et un éclair de génie que d’utiliser un jeu de pliage aussi ludique (et trendy aussi) pour faire un petit event. Et de surcroît d’être chez Colette. Et c’est tellement rafraîchissant de tomber sur un owner accessible, vraiment sympa et qui se prend pas au sérieux. Et t’offre des bonbecs japonais.

*want*

Définitivement, #popdansmoncoeur.

Claire